Народный художник России, вице-президент Академии художеств, Дмитрий Дмитриевич Жилинский (1927-2015), родился в деревне Волковка под Сочи. Он удостоен нескольких важных правительственных наград, справедливо отмечающих талант мастера. Дмитрий Дмитриевич Жилинский еще известен как портретист Датского королевского двора. Произведения Дмитрия Жилинского связаны с вечными ценностями - красотой во всех её проявлениях, одухотворенностью человека всем, что его окружает. Персонажи художника, написанные в манере, напоминающей старых мастеров, отрешены от суеты повседневного бытия. Они полны душевного равновесия, раздумий и созерцательного спокойствия, за которым зрители прочитывают глубокий смысл и эмоции, привнесенные автором.
Старый дом Жилинских в Уч -Дере был первой мастерской художника. Перейдя восьмидесятипятилетний рубеж Дмитрий Дмитриевич все чаще подумывал переехать с семьей в Сочи на постоянное место жительства и открыть в Уч-Дере свою изостудию для детей. Как мастер темперной живописи, выдающийся рисовальщик и один из ведущих художников второй половины XX века в России Дмитрий Жилинский был не только одним из ярчайших живописцев, но и воспитал уникальную плеяду последователей российского реалистического академического искусства.
В коллекции Сочинского художественного музея, который с 2019 года носит имя Дмитрия Жилинского, представлены несколько картин. Одна из них - «Буйволы» (1957). Она стала первой работой, которую музей получил в середине 80-х. На ней художник изобразил окрестности Уч-Дере, где располагается его дом.

Витольд Каэтанович Бялыницкий-Бируля (1872-1957) был одним из живых свидетелей славы русского искусства XIX века. К примеру, «Весной повеяло» (1945), где изображается ранняя весна. Ростки побегов и почки на деревьях, а на заднем плане виднеется еще не растаявший снег. Творчество этого художника имеет непосредственные точки соприкосновения с искусством И.И.Левитана- основоположника «пейзажа настроения». Живописец многого достиг в своем стремлении передать различные, порой не определяемые словами, оттенки состояния русской природы. Это дало ему возможность создавать произведения, волнующие тихой прелестью и большой эмоциональной глубиной.
    Значительное место в творчестве Бялыницкого принадлежит т. н. Мемориальному пейзажу. «Скамья Онегина» (1937), «Тригорский парк» (1936) относятся к серии пейзажей, запечатлевших места, связанные с жизнью А.С.Пушкина, и передают образ природы, навеянной творчеством великого русского поэта. Картины Бялыницкого несложны по своему композиционному строю и ритму. Колорит строится на тончайших переходах приглушенных пастельных тонов, отчего возникает эффект легкой серебристой дымки, окутывающей пейзаж.

Холст, масло, 101х132,5. Инв. Ж-516
В правом нижнем углу черной краской авторская подпись и дата
«В Бялыницкий-Бируля 36»
Пост. из санатория им. Орджоникидзе

Пейзаж Аркадия Рылова «Сосны» (1916). Аркадий Александрович Рылов (1870-1939) – известный пейзажист и символист, ученик Штиглица и Архипа Куинджи. Пейзажи – это любимые полотна Рылова. Он оставил большое творческое наследие. Все его работы наполнены глубиной и романтизмом.
    Его мечтой было учиться у знаменитого Куинджи, что он и сделал. После чего он стал его последователем. Его учитель советовал ему всегда работать на натуре, и Рылов исполнял его заветы. Рылов писал природу в окрестностях Санкт-Петербурга, а также в Финляндии. Он использовал насыщенные цвета, которые придают его картинам плотность, неповторимый колорит и выразительность. Великое множество оттенков видел он в своих любимых зелёном и синем тонах.

Холст, картон, масло, 31х44. Инв. Ж-150
Слева внизу подпись красным: «А. Рыловъ» 191
Приобр. в салоне-магазине № 1 г. Москвы

Хорошо известен в истории русского искусства художник Владимир Донатович Орловский (1842 – 1914), выпускник Академии художеств в Петербурге, ученик А.П. Боголюбова. Учился Владимир Донатович старательно, заслуженно получив все возможные академические награды. Академию он окончил со званием классного художника 1-й степени и правом на пенсионерскую поездку за границу. С 1869 года три года провел в основном в Германии, Италии, Франции и Швейцарии, где совершенствовал навыки живописи. Посещал и другие страны, с интересом изучая как картины старых мастеров, так и произведения живописцев-новаторов, которых тогда в Европе было немало. В 1874 году ему было присвоено звание академика. Всего через два года он уже стал профессором.
Одна из его картин, представленных в музее – картина «Закат над рекой. Рыбаки» (2-я пол XIX в.). Несмотря на широту взглядов (особенным предметом его профессионального интереса и восхищения было творчество французских импрессионистов), Орловский всегда оставался в рамках академических традиций, ориентируясь на вкусы заказчиков. Современники объявили его «звездой первой величины наравне с Айвазовским». Основным мотивом в его пейзажах была южнорусская природа с живописными хуторами и идеализированными образами крестьян. В жанре академического пейзажа у художника было много подражателей. Популярность Орловского, вероятно, не была бы столь велика, если бы он не использовал в своих произведениях такие яркие средства воздействия на зрителя, как светоносный колорит и резкие световые эффекты. Его картины быстро завоевали популярность у любителей живописи, которые стали охотно их покупать. Кстати, одна из причин, что Орловский не так уж много картин показывал на выставках, как раз и заключалась в том, что многие его новые работы «уходили» к покупателям прямо из мастерской.
Его творчество – яркий пример живучести академизма, его способности видоизменяться в зависимости от потребностей художественной эпохи. Живопись Владимира Орловского как свидетельство безусловного авторитета реалистического направления в пейзаже той поры.

К работам, написанным в строгом соответствии с творческими нормами и канонами академизма следует отнести картину Ивана Августовича Вельца «Парусник в бухте», написанную в 1914 году.
Вельц Иван (Иоганн) Августович, австриец, принявший русское подданство, родился в селе Софьино Самарской губернии 6 июня 1866 года. В Академии художеств в Санкт-Петербурге учился у М.К. Клодта.
Работы И.А. Вельца стали широко известным со времен его обучения в Академии. Он не единожды удостаивался серебряных медалей. А к концу обучения к ним добавились и золотые награды. Особенно молодому художнику удавалась пейзажная живопись. Он умело подходил к решению сложных композиций, мастерски задействовал не слишком богатую для русских пейзажей цветовую гамму, а также скрупулезно относился к деталировке. Как писали критики: «Его работы - частицы воплощенной красоты», разъезжались после выставок по частным коллекциям многих городов России.
Иван Августович неоднократно путешествовал по России. Он использовал свои летние поездки в Крым, по окрестностям Петербурга, чтобы представить на академические выставки воплощенные в красках красивые уголки природы. Как-то изображения с картин Вельца даже использовались для изготовления открыток. "Парусник в бухте" завораживающая картина с непередаваемо красивым цветом лазурно-голубого моря.
Умер Иван Августович Вельц в Ленинграде в 1926 году.  

Холст, масло, 52х75. Инв. Ж-532
В левом нижнем углу черным авторская подпись «И Вельцъ 1914
Пост. из санатория «Золотой колос» г. Сочи

Борис Валентинович Щербаков (1916-1995) – советский, российский художник-живописец; автор картин на исторические, историко-революционные и современные темы, портретов современников. Художник Борис Щербаков посвятил свою жизнь разгадке концепта genius loci (гения места). Для этого он часто ездил по любимым местам творческих людей и писал соответствующие картины. Многие работы художника связаны с именами таких великих писателей как Толстого, Лермонтова, Шолохова, Тургенева. Конечно же, творчество Щербакова не обошло стороной и Пушкина. А.С. Пушкин - любимый поэт Бориса Валентиновича. Его слова «...и чувства добрые я лирой пробуждал» являются девизом для художника. Бориса Валентиновича постоянно влекут к себе места, связанные с именем великого поэта. Он сам писал стихи, слушал классическую музыку.
Работа «А.С. Пушкин в Петербурге» является авторским повторением. В историческом портрете великого поэта прослеживается интерес Б.В. Щербакова к острым психологическим моментам, возможности показать внутренний мир человека и борьбу его страстей.

Холст, масло, 200х150. Инв. Ж-537
Справа внизу на изображении авторская подпись и дата: «Б ЩЕРБАКОВ   1949»
Пост. из санатория «Металлург» г. Сочи

Николай Иванович Фешин (1881–1955) – выпускник Казанской художественной школы и Высшего художественного училища при Российской Императорской академии художеств, занимавшийся в мастерской Ильи Репина. Фешин работал в разных видах и жанрах искусства, он занимался книжной, журнальной и станковой графикой, пробовал свои силы в сценографии и скульптуре, являлся виртуозным рисовальщиком, но истинной его стихией и призванием была живопись. В живописи создавал жанровые многофигурные композиции, пейзажи, натюрморты, ню, но в первую очередь был выдающимся портретистом.
Его картины 1900-х импрессионистичны, динамичны по живописной лепке, красочны и реалистичны. Для картин Фешина характерны свободная пастозная живопись с контрастами фактур; использование сложносоставных цветовых замесов, сдержанная жемчужно-серая или охристо-коричневая колористическая система, преобладающая в русский период. В нашей экспозиции представлена работа «Ранняя весна», созданная до его эмиграции в США.
В 1923 году Фешин с семьей эмигрировал в США. На родину он больше не вернулся. Сегодня  картины Николая Ивановича находятся в музеях Казани, Санкт-Петербурга, Вашингтона, Сиэтла, Лондона, в частных коллекциях.
Холст, масло 25,5х28,5 Ж-379
Без подписи
Пост. из салона-магазина № 1 г. Москвы

Константин Александрович Трутовский (1826-1893) – украинский и русский жанровый живописец, иллюстратор книг русских и украинских писателей, акварелист. Академик Императорской Академии художеств.  
Представленная в экспозиции работа Трутовского «Малороссийский пейзаж» - это прекрасная иллюстрация излюбленного сюжета художника. В 1849 г. Константин Александрович уехал в родительское имение в Малороссии, где природа и народный быт произвели на него столь сильное впечатление, что сделались главным источником, из которого он с этого времени черпал содержание для своих произведений. «Малороссия, – писал художник, – произвела на меня чарующее впечатление… С жаром я принялся рисовать все, что мне попадалось на глаза». Величественная природа и деревенские жители, удивляющие своей простотой и наивностью, приветливостью и радушием, составляют на полотнах живописца то неповторимое чувство Родины, которое есть в душе у каждого из нас. И все это греет нам душу, и навевает радостные и ностальгические воспоминания.

Среди марин в коллекции музея хранится работа замечательного русского пейзажиста Николая Никаноровича Дубовского – «Морской пейзаж», написанная им в один из приездов в Сочи, где у него была дача. Картина представляет собой изображение безграничной морской поверхности. Как и большинству произведений Дубовского, пейзажу присуща светлая жизнеутверждающая интонация.
Н.Н. Дубовской - автор проникновенных, мастерски исполненных и пользующихся большой популярностью картин русской природы, продолжатель традиции широкого, панорамного пейзажа своего учителя академика М. К. Клодта (1832—1902). Н. Н. Дубовской вместе с И. И. Левитаном и другими молодыми «передвижниками» был создателем нового направления в русской пейзажной живописи, которое получило впоследствии название «пейзаж настроения». Природа в «пейзаже настроения» изображается так, как видит её рассеянный взгляд человека, целиком поглощенного каким-либо душевным состоянием и замечающего вокруг лишь то, что звучит в лад с этим состоянием.
В работах Дубовского критики усматривали не только влияние сильнейших мастеров пейзажа того времени – Алексея Саврасова, Архипа Куинджи – но и собственное тонкое восприятие художником природы, способность чувствовать ее связь с человеком, с его внутренними переживаниями.
холст, масло, 34х44,5. Инв. Ж-280
Слева внизу черным подпись: «Н Дубовской 1906»
Приобр. в салоне-магазине № 1 г. Москвы

Холст, масло, 71х59. Инв. Ж-515
В правом нижнем углу черной краской авторская подпись: «П Кончаловский»
Пост. из санатория им. Орджоникидзе г. Сочи

Пётр Павлович Оссовский (18 мая 1925, Малая Виска, Зиновьевский округ, Украинская ССР, СССР — 1 августа 2015, Псков, Россия) — советский и российский художник-живописец. Академик РАХ (с 1995; член-корреспондент с 1988 года). Народный художник СССР (1989). Заслуженный художник Украины (2012). Лауреат Государственной премии СССР (1985).
В 1944 году окончил Московскую среднюю художественную школу. В 1944—1950 годах обучался в Государственном художественном институте имени В. И. Сурикова (мастерская С. В. Герасимова).
Счастливое стечение обстоятельств послужило наличию в фондах музея целого ряда живописных полотен Петра Павловича Оссовского. Имя Оссовского стоит у истоков появления «сурового стиля». Вместе с другими «суровиками» он обратился к жизни простого человека. В ней он находил образы, представлял ее как часть прекрасного. В 1950 году Оссовский окончил Московский художественный институт имени В.И.Сурикова.    
Картина Оссовского «После грозы» относится к знаменитому циклу картин, созданных в 1980 годы, - «На земле древнего Пскова».  Художественное исследование жизни северной русской земли, поиски связи «седой старины» с жизнью наших дней стали отправной точкой в творческих помыслах Оссовского. Довольно часто в этот период своей жизни художник бывал на Талавских островах, расположенных в тридцати километрах от Пскова, внимательно изучая жизнь и труд рыбаков Псковского озера.
Пейзажи, архитектура, обряды земли русской - все это реализовано в серии «Псковская земля», насчитывающей сотни произведений, неотъемлемой частью которых является пейзаж «После грозы». Картина отражает неяркую природу северной России с ее суровыми красками земли и нежным небом. Пейзаж наполнен искренним чувством живописца. В сложную симфонию перламутровых красок серо – голубой воды будто «вплетается» игра света, которая преображает окружающий пейзаж и придает причудливой формы облакам роль «вечных странников» и свидетелей «старины глубокой».  

Картон, масло, 55х76. Инв. Ж-145
Справа внизу черным: «П.О.83»
Пост. из Росизопропаганды по приказу МК РСФСР г. Москва

Молодое поколение, получившее известность в начале 1960-х годов внесло особый вклад в искусство хрущевской оттепели.
Самобытным представителем этой эпохи можно назвать Петра Павловича Оссовского (1925-2015). Счастливое стечение обстоятельств послужило наличию в фондах музея целого ряда живописных полотен этого художника. Имя Оссовского стоит в ряду зачинателей «сурового стиля» вместе с другими суровиками он обратился к жизни простого человека, в ней находил образы, представлял ее как часть прекрасного. В 1950 году закончил Московский институт имени В.И.Сурикова. Особую роль в формировании начинающего художника сыграл крупнейший живописец и талантливый педагог С.В.Герасимов. Всю жизнь он пишет одну повесть - о русском характере и родной земле. Пейзажи, архитектура, обряды земли русской - все это реализовано в серии «Псковская земля», насчитывающей сотни произведений. Одна из них «Розовые лодки» (1973). В этом пейзаже совместились основные принципы творчества П.Оссовского - монументальность и мощь, строгость композиционного решения, лаконичность в выборе изобразительных средств, гармония ритмов, объемов и колорита. Автор тонко чувствует красоты цветовых сочетаний.

Картон, масло, 55х76. Инв. Ж-145
Справа внизу черным: «П.О.83»
Пост. из Росизопропаганды по приказу МК РСФСР г. Москва

В собрании музея есть замечательные и интересные работы Наталии Игоревны Нестеровой (1944-2022), народного художника России, мастера с мировым именем. В 1970- х - начале 1980-х годов Нестерова создала свой знаменитый курортный цикл, включающий в себя большое количество сюжетных вариантов. Одна картина из этого цикла «Водопад в Новом Афоне» всегда украшает экспозицию музея. Созданная в начале 1980-х она олицетворяет целую эпоху в истории российского искусства. Самобытные произведения Нестеровой появились на всесоюзных выставках в конце 1960-х годов, когда новое поколение художников в своем творчестве обратилось к эстетике фольклора: локальному цвету, плоскости изображения, повышенной декоративности, а также склонность к примитивизму.
    Жанровая коллизия картины Новый Афон - идиллией на отдыхе не воспринимается. Ощущение некоторой тревоги и беспокойства возникает не столько из-за мрачноватого колорита, сколько экспрессивностью пастозной живописи. Динамичные движения кисти диссонируют со статикой фигур и застылостью взглядов.

Холст, масло, 116х116. Инв. Ж-180
Пост. из ВПХВ им. Вучетича по приказу МК СССР г. Москва

В конце 60-х на гребне волны молодых талантов появляется имя самобытного художника, нашего земляка Дмитрия Дмитриевича Жилинского (1927-2015), которому свойственно внимание к внутреннему миру человека, его духовным и интеллектуальным запросам.     
    В своих произведениях Жилинский опирается на традиции классики и, прежде всего, мастеров итальянского кватроченто. Именно эти работы поразили художника во время его поездки в Италию. На творчество Жилинского несомненно оказала влияние и древнерусская живопись. Его работы отличались особым стилем «советской иконы». В собрании музея хранится целая плеяда пейзажей Жилинского, однако, лучшей картиной коллекции, равно как и в творческой биографии художника, по праву считается «Белая лошадь» (1976). В качестве основы своих работ он стал использовать деревянную доску (как вариант – ДСП), а основным видом краски избрал темперу. Подобно мастерам глубокой древности.
В этом произведении лирическая интонация проступает звенящей нотой сердечности и теплоты. Локальная цветовая система Жилинского усложняется цветовыми рефлексами и стремлением выявить общий цветовой тон. Белая лошадь – почти всегда солнечный символ света, жизни и духовного просветления. Эта картина имеет международную славу, так как Сочинскому художественному музею неоднократно приходилось расставаться с ней для экспонирования в различных европейских музеях, где проходили персональные выставки работ Народного художника РФ Дмитрия Жилинского.

Оргалит, темпера (яичная), 110х60. Инв. Ж-567
Пост. из Росизопропаганды по приказу МК РФ г. Москва

Александр Михайлович Герасимов (1881-1963) – российский, советский художник-живописец, архитектор, скульптор, теоретик искусства, педагог, профессор. Первый президент Академии художеств СССР в 1947-1957 годах. Прежде всего, прославился картинами на историко-революционные темы - «Ленин на трибуне» (1937). Будучи первым президентом возрожденной в 1947 году Академии Художеств, являясь, в соответствии с этой должностью, противником всех художественных течений, враждебных» социалистическому реализму, Герасимов в своем творчестве оставался приверженцем академической доктрины крепкого, грамотного рисунка, уравновешенной композиции, сдержанного колорита, не забывая однако о достижениях импрессионистов. Такова его знаменитая картина «Портрет балерины О.В. Лепешинской» (1939 ГТГ).
Еще в больше степени это относится к натюрморту «Пионы» (1929 г.) из коллекции Сочинского художественного музея, которая характеризуется необыкновенной сочностью красок и пластичностью формы и напоминает о традиции первого русского импрессиониста К.Коровина.

Холст, масло, 117х117. Инв. Ж-80
Справа вверху подпись: «1929 А. Герасимов»
Приобр.у  Рожкова В.Н.

Холст, масло, 100х130. Инв. Ж-220
Справа внизу черным: «Борис Яковлев 36»
Приобр. у владельца Яблонского В.Г.

Большим мастером парадного портрета в 30-50-е года XX века считался Народный художник РСФСР Александр Иванович Лактионов (1910-1972). Известен главным образом как жанрист и портретист, хотя в наследии художника присутствуют выполненные на высоком уровне пейзажи и натюрморты. Учился в Ленинградской Академии художеств у И. И. Бродского (1932—1938), затем в аспирантуре этой академии у И. Э. Грабаря (1938-1944). Среди его наставников особое влияние на молодого художника оказал именно И. И. Бродский. Следуя девизу Бродского «Ближе к натуре!», Лактионов не только осваивал приёмы современной ему живописи, но и специально изучал технику письма старых мастеров. Многие произведения Лактионова не выходят за рамки фотографической фиксации изображаемого.
В экспозиции Сочинского художественного музея «Портрет Т.П. Мясоедовой-Бродской» всегда на почетном месте. Картина не закончена художником. Тем не менее это произведение без сомнения относится к числу лучших из созданных живописцем. Автор сумел соединить в портрете элементы парадности и непосредственности, создать чарующий образ хозяйки дома и, в то же время, светской дамы с царственной осанкой.

Холст, масло, 205х130. Инв. Ж-99
Пост. из ВПХК им. Вучетича по приказу МК СССР

К театральному портрету относится работа Петра Владимировича Вильямса (1902-1947), известного русского советского театрального художника и портретиста. В первое послевоенное лето в Сочи находилась труппа артистов Большого театра. Был здесь и Вильямс, в то время главный художник театра. Осенью театр готовился к премьере балета А.Прокофьева «Золушка», за декорации к которому Вильямс будет удостоен Государственной премии. Именно в Сочи художник пишет портрет солистов спектакля – народной артистки СССР Марины Семеновой и Заслуженного артиста РСФСР Сергея Кореня, изображая их в костюмах для Андалузского танца.
    Театральный портрет всегда занимал большое место в творчестве Вильямса. В данном случае художник не просто заставляет позировать своих героев, а как бы играть героев балета, что делает образы более сложными. В то же время автор не дает определенной характеристики своим героям, соединяя обращенность к зрителю с психологической недосказанностью и яркостью театральных костюмов.

Холст, масло, 160х136. Инв. Ж-118
Справа внизу черным: «Петр Вильямс 45»
Пост. из санатория «Правда» г. Сочи

С одной из страниц истории города Сочи связано создание картины, поступившей в музейную коллекцию в 1977 году. Это «Италия», ее автор Исаак Израилевич Бродский (1884-1939), известный автор историко-революционных полотен. В начале 30-х годов прошлого столетия он получил заказ от санатория имени Мориса Тореза написать картину для одного из интерьеров здравницы. Выполняя заказ, художник решил сделать авторское повторение в свое время нашумевшей на выставках в Риме и Петербурге картины «Италия» (1 вариант 1911 года хранится в ГТГ).
    В одном полотне Исаак Бродский собрал свои впечатления об Италии после поездки в 1911 году -  как же всё мощно и красиво, сочно, изображено на полотне. Смотрите сами, знойные женщины, буйство фруктов и овощей, национальные поделки — бусы. И конечно же полотно пропитано воздухом Италии. По своей красочной нарядности, по объединяющему все полотно чувству жизнерадостности - «Италия» - самое мажорное произведение Бродского из всех, созданных им в тот период.

Холст, масло, 208х250. Инв. Ж-55
В правой нижней части красным подпись: «И. Бродский. 1931»
Пост. из санатория им. М. Тореза г. Сочи

Леонард Викторович Туржанский (1875-1945) – прославленный русский пейзажист. Окончил Московское училище живописи, ваяния и зодчества, ученик Валентина Серова и Константина Коровина. Часто писал виды родных Уральских гор, Подмосковье и западные окраины страны. Главное содержание его полотен заложено в колористическом решении. В картинах мастера преобладают насыщенные "земляные" тона - красно-коричневые, зелено-желтые. Художник любил изображать мирную жизнь земли, тишину, в которой слышатся привычные деревенские звуки. Обладая великолепным даром анималиста, Туржанский почти каждый свой пейзаж одушевляет присутствием домашней живности - это куры, телята, козы, а чаще всего - лошади, наделенные каждая своим характером, настроением.
В картине «Куры» краска положена рельефно, плотным слоем, частично с помощью мастихина. В картине есть реальное ощущение и палящего солнца и воздуха, пропитанного полуденным зноем, от которого прячутся в тень домашние птицы. Пространство холста не замкнуто, а развернуто вширь, как будто кадр из фильма и есть продолжение за рамой картины.

Картон, масло, 54х97. Инв. Ж-269
Справа внизу черным: «Л.Туржанский»
Приобр.  в салоне-магазине № 1 г. Москвы

Значительный блок собрания составляют работы авторов, входивших в творческое объединение «Союз русских художников» (1903-1923 гг.). Провинция, деревня и полузаброшенные усадьбы составляют тематический круг выдающихся мастеров «Союза русских художников».
Здесь прежде всего, нужно отметить картину А.Е.Архипова «Зимнее утро» (1920). Абрам Ефимович Архипов (1862-1930) – выдающийся российский живописец, жанрист и пейзажист из крестьянской семьи. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у В.Г.Перова и В.Д.Поленова, в Петербургской Академии художеств. Был одним из учредителей «Союза русских художников» и входил в Товарищество передвижных художественных выставок. Позже обратился к крестьянскому жанру. Его пейзажи и жанровые картины воплощают «могучее цветение народных сил». Он прославился знаменитыми портретами-типами здоровых весёлых женщин-крестьянок, одетых в пёстрые одежды.
Картина «Зимнее утро» написана этюдно, контрастными пятнами цвета. Она не характерна для кисти художника и этим интересна.

Холст, масло. Инв. Ж-228
Слева внизу: А. Архипов 1920
Приобр. в салоне-магазине № 1 г. Москвы

Сложный путь, отражающий основные этапы общего процесса развития русского искусства кануна революции и его почти полувековую советскую историю, прошел замечательный русский художник Александр Васильевич Куприн (1880– 1960). Он испытал влияние и воздействие различных художественных школ, но неизменно сохранял самое дорогое в своем искусстве-одухотворенное чувство прекрасного. В историю русского искусства Куприн вошел как самобытный мастер пейзажа и натюрморта. Был членом объединений «Бубновый валет» (с 1910), «Московские живописцы» и «Общество московских художников». Став членом "Бубнового валета", он разделил общее увлечение Сезанном, но в его трактовке сезаннистские композиции обретают усиленную ракурсность, цвет - контрастность и напряженность.
В разные периоды одному из жанров отдавалось предпочтение. К примеру, с 1920-х годов пейзажи России, Восточного и Центрального Крыма становятся господствующими в творчестве Куприна. Коллекция музея обладает четырьмя его произведениями. Это три крымских пейзажа и «Натюрморт с оплетенной бутылкой», относящиеся к советскому периоду, когда художник постоянно возвращался к наиболее традиционной манере - к глубине пространства, к конкретности выбранного мотива. Картины этого цикла демонстрируют своеобразный живописный язык мастера.

Холст, масло, 68х73. Инв. Ж-292
Приобр.  в салоне-магазине № 1 г. Москвы

Холст, масло 78х138. Инв. Ж-542
В правом нижнем углу авторская подпись черной краской: «А Куприн»
Пост. из санатория им. Орджоникидзе

Холст, масло, 80х138. Инв. Ж-35
Слева внизу подпись: «А Куприн 1935»
Приобр. у Черного И.И.

Илья Иванович Машков (1881-1944) – живописец, педагог. Один из основателей общества «Бубновый валет». Представитель московской школы живописи. Критики называли Илью Машкова «русским Сезанном» за яркие краски и четкие контуры его полотен. Огромное количество натюрмортов Ильи Машкова, к ним можно отнести и «Натюрморт с тыквами» (1931) из коллекции музея, созданы под влиянием творчества Поля Сезанна и кубизма, а также традиций русского лубка, все они отличаются чувственной конкретностью образов, экспрессией контурного рисунка, сочной пастозной  манерой письма.
Натюрморт, где изображены фрукты и овощи, наполнен жизненной достоверностью. В этом натюрморте с наибольшей силой проявились особенности живописного таланта Ильи Машкова, где ему удалось при крайней простоте построения мотива добиться впечатления исключительной ритмичности вещественного богатства и многоплановости.
Помимо этого, с командировками живописец бывал в Крыму, Грузии и Армении и создал серию пейзажей, на которых изобразил пионерские лагеря и курорты. К этой серии относится работа «Крым. Артек. Лагерь пионеров им. З.Соловьева» (1934).

Холст, масло, 68х98. Инв. Ж-217
Справа внизу коричневым : «Илья Машков»
Пост. из музея истории г. Сочи

Особенно следует отметить наличие в фондах музея картины Давида Давидовича Бурлюка (1882-1967) «Косогор у околицы деревни» (1910). Незаурядный поэт и художник явился одной из самых ярких личностей предреволюционной эпохи. Его привлекали достижения и течения западно-европейской культуры. По этой причине будущий знаменитый художник около года жил в Мюнхене и более двух лет посещал мастерскую Кармона в Париже. Все это не могло не сказаться на особенностях его живописи, которая вобрала в себя в совокупности влияние нескольких направлений в искусстве: импрессионизм, фовизм, кубизм. Давид Давидович считается одним из основоположников футуризма. Он также один из первых начал экспериментировать с коллажем.
    Картина, хранящаяся в музее, в полной мере характеризует типичность принципов творчества художника того периода. Когда он испытывал влияние экспрессионизма и неопримитивизма. В картине свой живописный мир, краски которого ярче, чем в реальности, формы более пластичны, чем у натуры. Немаловажной представляется в картине и тема - русская деревня, ее природа и уклад жизни были основным мотивом в пейзажном творчестве Д.Д. Бурлюка до отъезда за границу в 1920 году.

Холст, масло, 43,5х74 Инв. Ж-294
Приобр. в салоне-магазине № 1 г. Москвы

Пейзаж Аркадия Рылова «Сосны» (1916). Аркадий Александрович Рылов (1870-1939) – известный пейзажист и символист, ученик Штиглица и Архипа Куинджи. Пейзажи – это любимые полотна Рылова. Он оставил большое творческое наследие. Все его работы наполнены глубиной и романтизмом.
Его мечтой было учиться у знаменитого Куинджи, что он и сделал. После чего он стал его последователем. Его учитель советовал ему всегда работать на натуре, и Рылов исполнял его заветы. Рылов писал природу в окрестностях Санкт-Петербурга, а также в Финляндии. Он использовал насыщенные цвета, которые придают его картинам плотность, неповторимый колорит и выразительность. Великое множество оттенков видел он в своих любимых зелёном и синем тонах.

Холст, картон, масло, 31х44. Инв. Ж-150
Слева внизу подпись красным: «А. Рыловъ» 191
Приобр. в салоне-магазине № 1 г. Москвы

Большое значение в истории русского пейзажа начала XX века имеет творчество так называемых «куинджистов» – последователей Архипа Ивановича Куинджи с его оригинальными поисками романтического понимания образов природы и его колористическими экспериментами.
Будучи руководителем пейзажной мастерской Академии художеств, Куинджи во многом способствовал становлению многих, впоследствии выдающихся живописцев, но особенно отмечал Константина Фёдоровича Богаевского (1872-1943). Среди жемчужин собрания музея самой яркой по праву считается картина «Киммерия. Героический пейзаж», поступившая в коллекцию музея в 1976 году из санатория им. Серго Орджоникидзе.  Он стал создателем героико-романтических картин, посвященных преимущественно восточному побережью Крыма — легендарной стране Киммерии. Источником вдохновения художника служили виды окрестностей древних крымских городов — Феодосии, Керчи, Судака, Бахчисарая.
Данный пейзаж - собирательный образ Киммерии, легендарной страны, располагавшейся на восточном побережье Крыма. Богаевский создает мир безусловной и вечной красоты, которая не может быть в действительности, чтобы подчеркнуть отстраненность созданного воображением прекрасного мира. С моря открывается вид на величественные берега, гребни гор которых венчают сторожевые крепости, как бы вросшие в землю. У прибрежных корней плещутся волны, в небе клубятся облака.

(Героический пейзаж). 1937
холст, масло, 205х420. Инв. 536
Пост. из санатория им. Орджоникидзе г. Сочи

Виктор Иванович Зарубин (1866-1928) – русский и украинский художник, график, сценограф, академик Императорской Академии художеств и один из наиболее последовательных учеников Архипа Ивановича Куинджи. В 1893 году Зарубин уехал в Париж. Три года он жил во Франции и занимался в известной частной Академии Жюлиана. Накопленный им богатый материал позволил ему неоднократно обращаться к темам Франции уже и в России. Осенью 1896 года Зарубин переехал в Петербург и был принят в число учеников Высшего художественного училища при Императорской Академии художеств, где учился у А.И.Куинджи.
Картина «Дом у моря. Бретань», написанная на Западе Франции, иллюстрирует живописные эффекты заходящего солнца, так мастерски усвоенного учеником выдающегося учителя.
    На конкурсе 1898 года Зарубин был удостоен звания художника первой степени за картины «Дом Божий» и «Вечерний аккорд», представленную у нас.

Холст, масло, 72х90. Инв. Ж-371
Слева внизу подпись темной краской: «Зарубинъ 1916»
Приобр. в салоне-магазине №1 г. Москвы

В искусстве конца XIX века широко известно имя Александра Александровича Киселёва (1838-1911), снискавшего себе признание неповторимого мастера пейзажа с жанровым мотивом. Творчество художника особо дорого южанам, поскольку многие годы Киселев, имея дачу на Черноморском побережье Кавказа, создал целую серию пейзажей, которые хранятся в ныне действующем музее — квартире А.А. Киселева в городе Туапсе.
Типичным для его творчества является пейзаж «Сенокос», хранящийся в Сочинском художественном  музее.
В конце XIX века Киселев был активным участником передвижных художественных выставок, его картины выгодно отличались не только решением социального мотива в пейзаже, но и мастерской передачей световоздушной атмосферы изображаемой им природы.

Холст, масло, 60х107. Инв. Ж-372
Справа внизу подпись: Киселевъ 1894»
Приобр. в салоне-магазине № 1 г. Москвы

Василий Дмитриевич Поленов (1844-1927) - живописец, пейзажист, автор полотен на исторические темы, театральный декоратор, архитектор и иллюстратор. Учился одновременно в Российской Академии художеств и в Петербургском университете. В пейзажных работах Поленова проявилось мастерство художника пленэрной живописи, с конца 1870-х годов полновластно вошедшей в русскую живопись. Прежде всего известен зрителю по картине «Московский дворик» (1872, ГЕГ).
Высокий уровень живописного мастерства демонстрирует этюд художника «Лошадь, запряженная в телегу» (1872). Данный этюд представляет нам Поленова как мастера анималистического жанра. Скромное созвучие неярких цветов, уравновешенная композиция с великолепно прописанными пропорциями лошади свидетельствуют о довольно близком окончательном решении картины великим художником.
Поленов испробовал все жанры живописи, много работал на пленэре, свидетельством чему являются многочисленные этюды, отличающиеся новизной выбранных мотивов, решением сложнейших пленэрных задач.

Холст, масло, 22х29. Инв. Ж-345
Приобр.  в салоне-магазине № 1 г. Москвы

Холст, масло, 35х60. Инв. Ж-533
Справа внизу холста коричневой краской: «И Ш»
Пост. из санатория «Правда» г. Сочи

Значительную часть собрания русской живописи второй половины XIX века составляют произведения художников-передвижников, которые своим творчеством стремились пробудить сочувствие к жизни и страданиям простого человека. На картинах появляются сцены труда, сценки из сельской жизни.
У истоков передвижничества и одним из его учредителей был Михаил Константинович Клодт (1838-1902). Барон Клодт фон Юргенсбург по семейной традиции начал свое образование в горном кадетском корпусе, но вопреки желанию родителей, оставил его и в 1851 году поступил в Академию художеств, где учился у пейзажиста М.Н. Воробьева. Наивысший подъем творчества художника относится к 1860-1870 г.г. В 1870 году М.К. Клодт стал одним из учредителей Товарищества передвижных художественных выставок в Петербурге. Показанная на первой передвижной выставке его картина «На пашне» (1870, ГРМ) стала программной работой не только в творчестве самого автора, но и многих других художников-передвижников.
Деревенская тема, особенно, тема дороги, явились лейтмотивом многих произведений Клодта. В постоянной экспозиции присутствует типичное его произведение «Русская деревня», где за основу взят несколько идеализированных образ русской деревни, изображающий трогательный житейский мотив с неспешной жизнью крестьянских детей.
По словам И.Е.Репина «произведения М.К. Клодта очень понятны русским мужичкам».

Холст, масло, 38х60. Инв. Ж-131
Справа внизу подпись коричневым: «МКлодтъ»
Пост. из городской больницы № 2 г. Сочи

Одной из первых картин, положивших начало коллекции XIX века, является произведение незаурядного мастера композиций с лошадьми и охотничьих сцен - Николая Егоровича Сверчкова.
    Николай Егорович родился в Санкт-Петербурге в семье служащего придворного конюшенного ведомства. Поэтому не случайным является склонность будущего художника к анималистическому жанру. Дар анималиста помог Сверчкову занять место художника на конных заводах России - Хреновском и Чесменском.
    Вскоре Сверчков стал воспитанником Академии художеств, сумел проявить безусловный талант, но из-за болезни сердца не смог закончить учебу. Несмотря на это он был постоянным участником академических выставок. Творчество Н.Е. Сверчкова разнообразно: он писал жанровые, исторические, батальные картины, занимался скульптурой. Однако исключительного мастерства он достиг в изображении лошадей. Его работы свидетельствуют о доскональном знании предмета, являются своего рода пособием по изучению устройства упряжи и особенностей правильного рысистого аллюра.
    В музейной коллекции хранится одно из лучших творений художника — картина «Коляска с кучером». Эта картина с полным правом может служить подлинной иллюстрацией неподражаемого таланта мастера анималистического жанра.
    Н.Е.Сверчков, несмотря на кажущуюся плодотворно прожитую жизнь, оставил не очень большое наследие, поэтому далеко не каждый музей может похвалиться наличием в своих фондах его произведений. Картина «Коляска с кучером» достойно украшает коллекцию музея и представляет предмет особой гордости его сотрудников.

Холст, масло, 53х84. Инв. Ж-219
Внизу справа красным: «Н Сверчков 1853»
Приобр.  в салоне-магазине № 1 г. Москвы

Новым этапом в русской маринистике явилось творчество Льва Феликсовича Лагорио (1847-1903). В коллекции музея хранится картина его кисти «Парусник в море» (1898), которую характеризует тональная целостность и гармоничность решения всего полотна. Его особенно интересовал показ временных изменений освещения и точность рисунка облаков.
Л.Ф. Лагорио - гениальный русский художник – пейзажист XIX века, великолепный маринист, мастер батального и портретного жанров. Сын неаполитанского консула, первый ученик И.К. Айвазовского, выпускник Императорской Академии художеств, которую он закончил по классу пейзажной живописи у профессора М.Н. Воробьева в 1850 году. Художник постоянно жил в Петербурге, проводя летние месяцы в Феодосии. Его правдивые образы природы и морской стихии наполнены одухотворенной поэзией, погружают зрителя в атмосферу романтики и умиротворения. При этом в пейзажах и маринах Л.Ф. Лагорио реалистическая достоверность при передаче натуры зачастую сочетается с традициями академизма.

Холст, масло, 63,2х103,3. Инв. Ж-389
Справа внизу подпись коричневой краской: «ЛАГОРIО 1898»
Приобр. в салоне-магазине № 1 г. Москвы

Иван Константинович Айвазовский — выдающийся маринист. Маринист — это «певец моря», так называют художников, которые писали морские пейзажи. На холсте Айвазовский воспроизводил красоту, силу и мощь морской стихии. Его картины эффектны и производят огромное впечатление на зрителя. В них есть драматизм и радость, счастье и восхищение природой. И. К. Айвазовскому всегда везло: он стал одним из немногих художников, получивших признание при жизни. Айвазовский считался довольно обеспеченным человеком, а его картины редко подвергались критике и нравились большинству современников. Талант художника был очень необычным и самобытным. С раннего детства, родившийся в Феодосии Айвазовский, влюблялся в море, проводя долгое время на его берегах. В его картине «Встреча солнца. Море» явно прослеживаются характерные для творчества мастера тенденции романтизма. В картине возвышенно приподнятый образ окружающего ландшафта находится в органическом единстве с персонажем композиции, любующимся красотой природы. Айвазовский оставил след в истории не только, как талантливый живописец, но и меценат. Айвазовский щедро занимался благотворительностью и благоустройством родного города. Из его феодосийской мастерской вышло много известных художников - Куинджи, Лагорио, Богаевский. Холст, масло, 46,3х38,2. Инв. Ж-288 Слева внизу: темно-красная авторская подпись «Айвазовскiй 1849» Приобр. в салоне-магазине № 1 г. Москвы

В коллекции музея широко представлено творчество художников — маринистов XIX века. Среди них два живописных произведения принадлежат кисти Ивана Константиновича Айвазовского (1817—1900 гг.) всемирно известного российского художника-мариниста, баталиста, коллекционера. Судьба щедро одарила его творческой мыслью и поразительной зрительной памятью. Художник выработал собственную манеру писать морские пейзажи. Считая, что движения морских стихий не уловимы для кисти, он никогда не писал картины с натуры, а всегда опирался на свою феноменальную зрительную память. Все свои картины, художник рисовал на одном дыхании. Большее всего времени тратил на изображение моря. Своими полотнами гениальный маринист послужил и военной славе. Десятки его картин посвящены победным баталиям парусных русских кораблей, подвигам русских моряков. В 1844 году Айвазовскому было присвоено звание художника Главного морского штаба с правом ношения мундира Морского министерства в качестве признания его особых заслуг в изображении событий военно-морской истории. Айвазовский изобразил все победы русского флота, начиная от времен Петра Великого и кончая событиями, современником и даже порой участником которых был он сам. Его произведения отмечены исторической правдой, точностью в изображении кораблей, глубокими знаниями тактики морского боя. Картина «Вид Константинополя» принадлежит к серии работ о Русско-турецкой войне 1877-1881 г.г. В небольшой по формату картине художник сумел создать эффект необъятного Черного моря и множества военных кораблей в бухте турецкого портового города Трапезунд. Теплотой красок, законченностью композиции и удивительным камерным звучанием работа Айвазовского покоряет настолько, что хочется сравнить её с драгоценным камнем в благородной оправе. Дерево, масло, 17,8х27,3. Инв. Ж-291 Справа внизу черным латинскими буквами «Aivasovsky» Приобр. в салоне-магазине № 1 г. Москвы

Картина Валериана Константиновича Каменева (1822-1874) «Купальщицы» представляет салонное творчество петербургского живописца. Каменев писал преимущественно пейзажи Петербурга и его окрестностей. В данном случае его творчество представлено своеобразной пасторалью, где полуобнаженные нимфы или светские красавицы предаются беззаботному купанию на фоне идиллического пейзажа. Валериан Константинович Каменев относится к тому небольшому числу русских живописцев, которые получили звания академиков, формально имея в изобразительном искусстве статус любителей. После учебы в новгородской гимназии молодой В. Каменев поступает на государственную службу (1838), на которой находится до 1958 года, когда зрелым человеком принимает решение стать профессиональным художником. Как раз за год до этого за картину "Вид на острове Голодае близ Петербурга" Каменеву присуждают звание академика. До этого времени он служил и одновременно занимался в Академии художеств (с 1841), выставлял свои пейзажи на академических выставках. В 1859 году В.К. Каменев совершает путешествие по странам Европы. Он посещает Германию, Францию, Бельгию, Швейцарию, Италию. При этом он проявляет себя и как интересный преподаватель. После преподавания рисования в ряде военных учебных заведений В.К. Каменев переходит в Гатчинский институт и Гатчинскую женскую гимназию. До конца жизни он совмещает работу учителя рисования с писанием пейзажей Петербурга и его окрестностей. Холст, масло, 29х38. Инв. Ж-338 Слева внизу красным подпись: «1854 Каменевъ» Приобр. в салоне-магазине № 1 г. Москвы